大師拍片術：掌握頂級導演的運動攝影技巧:編輯推薦,內容提要,目錄,前言,

《大師拍片術：掌握頂級導演的運動攝影技巧》適合廣泛的影視藝術愛好者閱讀。不論是電影專業學生，還是影視從業者或愛好者，都能從本書吸取充分的營養，掌握運動電影拍攝技巧，向電影大師之路闊步邁進。

基本介紹

書名：大師拍片術：掌握頂級導演的運動攝影技巧
作者：【美】Gil Bettman（吉爾·貝特曼）
譯者：魏俊彥
ISBN：978-7-121-29000-8
頁數：200頁
定價：55.00元
出版社：電子工業出版社
出版時間：2016年6月

編輯推薦,內容提要,目錄,前言,

編輯推薦

在當今的電影界，演員們都相當專業，不太需要導演的指導。這樣，導演會把大多數時間用於提高拍攝技術。本書中，作者引用了史匹柏，澤米吉斯、昆汀等大師的經典電影片段，條理清晰地分析了如何用運動攝影技術拍攝出動感十足的電影場景。如今，運動攝影十分重要，只有充分掌握了這門技術，你才能成為大師級的導演。

內容提要

電影發展至今，用動感十足的畫面講故事已經成為觀眾最基本的期待。毫無疑問，只有頂級的導演，才能得心應手地使用運動攝影技巧，獲得最佳效果的畫面。

吉爾·貝特曼是一位經驗豐富、極具特色的電影導演，他結合自身多年的經驗，通過引用諸多好萊塢頂級導演的作品向讀者證明了在電影拍攝中運動攝影的重要性，並且詳細講解了運動攝影的拍攝方法，幫助讀者掌握頂級的運動攝影技巧。

前言

本書旨在向那些新入行的導演們傳授攝影知識。只有掌握了攝影知識，導演們才有可能在如今的電影界取得成功。本書的前半部分講述了如何用運動的攝影機去講述一個故事情節，本書的後半部分著重討論了如何拍攝動作場景。若能完全掌握本書的內容，那這些新人們在拍攝他們的第一部電影時就可以做得像有經驗的攝影指導一樣出色。此後的每次實踐中，他們都可以不斷地練習書中所傳授的技巧，將這些技巧運用到不同電影的不同場景中去，經過反覆練習，他們將日益成長為成熟的電影導演。

自2003年我出版了自己的第一本書《初為導演》（First Time Director）之後，就越來越感受到出版這本書的重要性。自2003年我的書出版之後，先後有16個國家的22所電影院校邀請我去講授課程。我的課程之所以如此受到歡迎，正是因為長久以來電影學院和電影書籍所關注的重點都不在如何用運動的攝影機拍攝電影上。它們所關注的重點主要是如何寫劇本及如何與演員溝通。當然這樣做確實有道理，因為電影的好壞就是由劇本和演員的表演決定的，沒有好劇本、好演員就不可能有好電影。也正因如此，傳統電影界非常注重劇本編寫及與演員的溝通。

但自1970年以來，電影的主流視覺效果發生了翻天覆地的變化。從那時起，在拍攝過程中攝影機的移動越來越普遍，到現在動態的攝影機拍攝已經成了電影界的常識了。與此同時，越來越成熟的計算機輔助圖像技術也幫助了導演們，讓他們能更好地將觀眾帶入電影所構建的世界中。用動態攝影機拍攝電影已經成為一種趨勢，這種趨勢在好萊塢大片的帶領下颳起了一陣旋風，也改變了全球觀眾對於電影的期待。電影語言的敘述方法逐漸改變了，動態的視覺效果成了電影語言中不可或缺的組成部分。如今，導演若想贏得觀眾的尊敬，僅僅靠用表演來講述故事是遠遠不夠的。他還要在電影的視覺設計方法方面也有所建樹才行。不論是對於想成為經典的藝術電影還是對於好萊塢商業電影來說，這一點都至關重要。這也是我寫作本書的原因。

好訊息是，拍攝出動態視覺效果的方法很易學。攝影機有一個很棒的地方，那就是只要你使用了一樣的操作，攝影機就一定能給你一樣的結果。但要說到指導演員，那可就很難說了。你對演員說一樣的話，每個演員的反應都會不一樣。怎樣去跟每個演員交流，讓他們體會到你的心思，這是不可教也不可學的。這主要看導演與演員之間能不能有真誠的心與心的溝通。同樣的道理，你可以教學生所有寫作的技巧，但就算他掌握了這些寫作的技巧，他也不一定能寫出好的劇本來。寫劇本的能力大多是老天給的。但使用攝影機就不一樣了。攝影機只是一個工具，一旦輸入正確了，它就一定會給出正確的輸出。為了更好地用運動的攝影機拍攝電影，你只需要一項本領，那就是你要能夠在大腦中預先勾勒出機位的變化會造成物體間關係怎樣的變化。只要掌握了這項本領，你就能在正式拍攝之前在大腦中形成畫面。如果你上學時幾何學得不錯，想掌握這項本領就很容易。如果你幾何學得不好，那也沒關係，因為電影的視覺設計有固定的原則，這些原則會告訴你怎樣的輸入會得到怎樣的輸出。所以，就像數學一樣，這些原則都是固定的，是可以通過學習來掌握的。

這也讓我對這本書的實用性有了信心。視覺設計的原理都是很簡單的。最基本的原則是：對觀眾來說鏡頭應該是隱形的，有三種攝影機運動的方式是完全隱形的；此外，出於主鏡頭視覺設計的需要，在拍攝整個場景時都保持攝影機的動態性，而每個主鏡頭都必須在動態性和戲劇性之間尋找平衡；最後，動作場景也有三個原則需要遵守。以上就是電影視覺設計要掌握的所有原則了。

雖說原則本身很簡單，但要將這些原則與每個場景的要求結合起來卻並非易事。每個場景中戲劇矛盾的走向都不同，再加上每個場景的拍攝地點、拍攝時間也不相同，因此每個場景都需要一套特定的拍攝方案，將基本原則與場景的特點結合起來。那些偉大的視覺藝術大師們之所以稱得上偉大，是因為他們將基本原則與場景結合的能力已經遠遠超過了“優秀”的水平，達到了出神入化的境界。卡梅隆、史匹柏、卡隆、坎皮恩等導演也正是由此成為大師。學生們需要有很高的天分才能達到這些大師的水平。但即使天資不高，學生們還是可以通過勤學苦練掌握專業的電影視覺設計藝術。只有通過一次次地將基本的原則與實際的場景相結合，學生們才能掌握這項對導演來說最為重要的拍攝技能。

這也是這本書中一半是圖像，一半是文字的原因。圖像都選自真實的電影場景，目的是向讀者解釋、分析這些導演們是怎樣將基本的拍攝原則與特定的場景相結合的。這些圖像就是一個個案例分析，通過這些案例，讀者會發現只要靈活掌握了拍攝的基本原則，導演們就能創作出非常偉大的視覺藝術作品來。

書中在討論如何用運動的攝影機拍攝時，我選用了以下三部電影中的場景：羅伯特·澤米吉斯的恐怖電影《危機四伏》；卡梅倫·克羅的倫理片《甜心先生》；著名電視電影導演道格·巴爾自編自導的電視電影《迷情追蹤》。在討論如何拍攝動作場景時，我將動作場景分成了三個話題：伏擊場景、追逐場景及打鬥場景。伏擊場景選自我的一部小成本故事片《死亡從不會太早》（Never too Young to Die）；追逐場景選自凱瑟琳·畢格羅的故事片《驚爆點》；打鬥場景選自電影、電視劇導演約翰·巴德姆執導的電視劇《拉斯維加斯》。

總之，以上選取的這些電影場景是學生們在成為真正的專業導演時都會接受到的挑戰。我在書中詳細地分析了在這些場景中導演們是如何將基本的拍攝原則與場景的特殊性相結合的。只要學生們能真正學習並領悟到這些導演的拍攝方法，終有一天他們就能成為視覺藝術的大師。在學生們掌握到正確的拍攝方法之後，他們就可以將這些方法一次次地運用到實際拍攝中去，在每一個不同的場景中都練習使用這些方法，不斷鞏固書中所學的知識。

只有通過大量的練習（具體需要多少練習取決於每個人的悟性），學生們才有可能熟練掌握當代電影視覺藝術設計的方法。而本書的目的就是推這些初出茅廬的導演們一把。想要拍攝四人以上、多個對話場景的運動主鏡頭是非常複雜、困難的。同樣，拍攝四人以上的打鬥場景或者高速的追車場景也是非常困難的事。拍電影就像爬山一樣，新入行的導演們必須經過種種歷練才能爬到山頂，獲得應對以上這些複雜場景的能力。這本書可以讓他們向上爬的速度更快一些。

如何使用本書

要想成為一名成功的導演，你就一定要知道如何用運動的攝影機進行拍攝。如我在第一章中所說，在40年前電影界的情況並不是這樣的。但如今導演對於攝影技能的掌握已經變得非常重要了，而且隨著時間的推移，這項技能的重要性會愈發突顯。電影的視覺要素已經日益複雜，也變得越來越有力量了。這本書正是為了告訴那些年輕的導演們該如何掌握這項複雜的技能。

在本書中，運動攝影的相關知識被分為了兩個部分：（1）如何用運動的攝影機拍攝對話場景；（2）如何拍攝動作場景。因此，書中的章也分為了兩大部分，第二章和第三章闡述了如何用運動的攝影機拍攝對話場景；第四章到第八章分析了如何拍攝動作場景，著重分析了如何拍攝追逐場景和打鬥場景。第一章是對這兩部分內容的簡要介紹。

第一章

第一章一定會激起你的某種共鳴。你可能已經感受到了，要不然你就不會拿起這本書了，那就是：要想拍出好電影，你必須重視電影的視覺語言。

第二章、第三章

第二章和第三章主要討論了如何用運動的鏡頭來表現戲劇矛盾。閱讀過程中你會感受到一種兩難的境界，因為這個任務本身就包含了一種矛盾：最能表現戲劇性的鏡頭是靜態的鏡頭，而不是運動的鏡頭。這兩章會告訴你如何在戲劇性和動態性間尋找平衡，最終成功地用運動的鏡頭來拍攝對話場景。

第四、五、六章

如果你要拍攝動作場景，那你一定不能讓任何人受傷。只要有人受傷了，那你的飯碗也就保不久了。因此，你電影中的特技一定不能是真的暴力、危險、瘋狂。但呈現給觀眾的視覺效果卻一定要既暴力，又危險，又瘋狂。這簡直就是一個魔術。怎樣用攝影機來展現這個魔術呢？你要做到以下三點：把攝影機放在正確的位置；給攝影機安上正確的鏡頭；拍攝出足夠數量的片段。第四、五、六章會教你怎么做。

第七章、第八章

用攝影機變魔術的方法是固定的，但用這些方法拍攝追逐場景和拍攝打鬥場景的過程卻是完全不一樣的。第七章講述了如何用這些基本原則拍攝追逐場景，讓追逐場景飛揚起來。第八章講述了如何用這些基本原則拍攝打鬥場景，讓打鬥場景猛烈起來。

如果你是個新手

在讀本書之前，你就應該已經掌握了關於電影拍攝的一些基本知識。你應該已經會在180°原則下將場景分解成主鏡頭和更近的備用鏡頭，用靜態的攝影機拍攝。如果你不知道這些基本的知識，那你就應該先去讀讀史蒂文·卡茨（Stephen Katz）的書《電影鏡頭設計》（Directing Shot by Shot）或者其他類似的入門書籍，了解一下關於電影拍攝的基本概念。在你讀完那些書以後，這本書中的知識就會變得易於理解並且有用了。

如果你是電影專業的學生

如果你是電影學院的學生，並且你的學校並沒有開一門講述如何用運動的攝影機拍攝對話場景的課，或者這項內容只是在其他大課中略有提及，那你就應該好好地讀讀第二章和第三章。

很少有電影學院會專門開一門講述如何拍攝動作場景的課程。如果你的學校確實沒有這門課程，那你就可以自學一下本書的第四章到第八章，這幾章里的知識會讓你掌握這一項重要的技能。

如果你已經拍攝過幾部短片

如果你已經拍攝過幾部短片，那你應該已經具備足夠的能力用靜態的攝影機去拍攝對話場景了，但你還在學習如何用運動的攝影機去拍攝對話場景。如果你是這種情況，那可以看一下本書的第二章、第三章。讀過之後你就會更好地理解當代電影視覺設計的趨勢。

以我的經驗來說，很少有短片會加入大量的動作特技。如果你的短片在聖丹斯電影節上獲了獎，那你就有可能收到電影工作室的邀請。他們讓你拍攝的電影中很可能會包含大量的動作場景。本書的第四章到第八章可以幫到你，讓你做好拍攝動作場景的萬全準備。

對電影專業學生和有過拍攝經驗的讀者說的話

對話場景要比動作場景難掌握，這是因為戲劇性是一種比較微妙的東西，比動作特技要複雜。在你職業生涯剛剛起步的時候，你可能會拍攝更多的對話場景而不是動作場景，因為拍攝動作場景的成本是很高的。所以先看本書的第一、二、三章吧，記住做一下第二章和第三章的練習。

每一部電影中的每一個場景都是獨一無二的，因此你需要將拍攝電影的基本原則跟場景的獨特特徵結合起來。這也是本書的第三章主要探討的內容。你越多地將這些原則運用到不同的場景中去，你就越有可能用運動的攝影機拍攝出優秀的對話場景。在第三章的結尾處，我列出了15個“邊走邊對話”的場景，並建議你能從中選擇一個，用運動的攝影機進行拍攝。但其實只拍攝一個場景是遠遠不夠的，不妨把這15個場景都拍完吧，或者在時間和金錢允許的情況下儘量多拍幾個。總之，一定是練得越多效果越好。

第四、五、六章講述了拍攝動作場景的一些基本原則。即使你覺得這些基本原則自己都懂，也還是要看一下第四章到第六章，因為在這幾章中我介紹了拍攝動作場景的最有效的方法，而在第七章講述拍攝追逐場景及第八章拍攝打鬥場景時，我都會運用到第四章到第六章所講過的方法。你必須先了解一下我所講的基本原則和方法，然後才能更好地理解第七章和第八章的內容。

如果你已經是專業導演

如果你已經是專業導演，那既然你拿起這本書並且讀到了這裡，我覺得你一定同意我所說的這條基本原則：那就是要讓如今的觀眾、當今的市場對你的電影感到滿意，你就必須熟知怎樣用運動的攝影機拍攝對話場景，讓電影畫面充滿張力。我想你應該已經通過各種途徑掌握了這條原則。本書的第二章和第三章可以讓你對這條原則的掌握更上一層樓。我在第二、三章中對於用運動攝影機拍攝對話場景的解讀會讓你發現這條原則實際上是遵循了“最優法則”。在這兩章中，我會詳細分析一些大師的對話場景，這些場景來自史匹柏、澤米吉斯、卡梅倫·克羅的電影作品。通過剖析這些大師們對於最優法則的運用，我向讀者闡明了大師們是在什麼情況下讓攝影機運動起來的。這些詳細的分析會幫助你提高自己的拍攝技能；同時也能給你一些靈感，讓你的電影逐漸達到大師的水平。

雖然你已經是一名專業的導演，但很有可能還沒有拍攝過動作場景。動作場景成本太高了，大多數電影、電視劇中都不會加入很多動作場景。只有大工作室的電影或者是高投入的獨立電影才會捨得拍攝大量的動作場景。但如果你剛好要拍攝一部包含動作場景的電影，或者說你要提前做好準備，以備未來要拍攝到動作場景，你就不妨讀一下第四章到第八章。這五章中包含了你想知道的關於動作特技的全部內容。

與拍攝對話場景相比，拍攝動作場景的方法要死板得多。這完全是一門關於機位和鏡頭的科學。正確的機位和鏡頭一定可以讓演員的動作看上去更具動感。所以這項技能是很容易教也很容易學的。第四、五、六章闡述了拍攝動作場景的基本原則。第七章闡述了如何將這些基本原則運用到追逐場景中。第八章闡述了如何將這些基本原則運用到打鬥場景中。

如果你與導演共事

如果你與導演共事，這本書對你的職業也有幫助。正如我在第一章中所說，視覺要素在電影製作中已經變得越來越重要，也越來越複雜了，當然，視覺效果的製作成本也越來越高了。在商業電影的預算中，絕大部分都會用於製造視覺效果。因此，導演的大部分時間和精力也都花在了這個方面。

電影界有一個不成文的小秘密，那就是大多數演員都是自己的導演。專業演員一定都同意這一點。在拍攝現場，絕大部分時間裡導演都在進行攝影機的調度。如果你掌握了本書的內容，你就能更好地為他提供幫助。

如果你所在的攝製組拍攝的電影對話場景居多，那你就可以重點看一下第二章和第三章的內容。如果你們的劇本會拍攝動作場景，那你就好好看一下第四到第八章的內容。

如果你是電影界人士，並且想成為導演

本書中都是作為導演應該掌握的核心知識。如我在第一章中所述，電影的視覺要素已經變得越來越重要，也越來越複雜了，導演們絕大部分的精力也都投入到了打造出色的視覺效果上。只要你能掌握本書的內容，那當你真正有機會拍攝電影時，一定會獲得成功。

主流電影界對於視覺效果的追求對於有上進心的年輕導演們來說其

實是個好訊息。因為在導演應該掌握的所有技能中，有關視覺效果的技能是最容易學會的。

當然，要想拍出好電影，你首先得有好劇本，但寫劇本的能力基本就是天生的。此外，你還需要演員有好的發揮，但與演員溝通的能力基本上也是天生的。這兩項技能往往是教不了、學不會的。

但使用攝影機就不一樣了。攝影機只是一個工具，給它同樣的輸入，它就一定會給出同樣的輸出。在第二章和第三章中，我系統地闡述了如何用運動的攝影機表現戲劇衝突的變化。

在第四章到第八章中，我闡述了如何用正確的機位和正確的鏡頭讓演員的動作更具動感。只要熟知了書中所述的原理，你所拍攝出的動作場景就一定能達到最專業的水準。

如果你是電影專業的教師

本書的主要目的就是幫助電影學校的教師開展教學活動，傳授給學生們必需的知識和技能，幫助他們成為成功的導演。

在第一章中，我闡述了為什麼這本書的內容在當今的電影界是最為核心的內容。

在第二章和第三章中，我著重闡述了如何用運動的攝影機拍攝對話場景。對於初入行的導演來說，這一部分的內容是最難的，也是最重要的。事實上，在很長的一段時間裡你可能都需要一直鑽研，不斷琢磨，但第二章和第三章中的內容可能讓你在起步的時候順利一些。這兩章主要介紹了一些基本原則，這些原則可以讓你用運動的攝影機拍攝出優秀的對話場景。一旦學生們掌握了這些原則，他們就能更好地在實踐中不斷鞏固所學的知識，最終掌握這項關鍵的技能。

第四章到第八章主要是關於現今的導演們所需掌握的另一項重要技能—拍攝動作場景。其中，第四、五、六章主要闡述了一些基本原則，即：怎樣選擇正確的機位，怎樣選擇正確的鏡頭，怎樣拍攝出足夠數量的片段。第七章闡述了如何將這些基本原則運用到追逐場景中。第八章闡述了如何將這些基本原則運用到打鬥場景中。

在每一章的結尾處我都對本章的內容進行了總結。教師可以通過這些總結來測試學生是否掌握了本章的重點知識，學生也可以用這些總結來自測。在學完一章的內容之後，學生可以通過這些總結來回憶正文中的內容，以檢測自己對這些知識的掌握程度。教師可以將學生組織起來，用蘇格拉底教學法開展討論。他可以問一些問題，而要想給出這些問題的答案，學生就必須很好地掌握每章總結的這些知識點。

在第二、三、五、六、七、八章的結尾處還有一個板塊，叫作“給教師的話”。在這個板塊中，我會給出一些任務，通過這些任務教師可以檢測學生是否真正掌握了課堂所學的知識。第一章和第四章的主要任務是闡述理論。這兩章並未涉及具體的拍攝技巧，因此在這兩章之後就沒有“給教師的話”這一板塊。

第三章“給教師的話”中給學生布置了任務，要求他們用運動的攝影機拍攝對話場景。第八章“給教師的話”中也給學生布置了任務，要求他們拍攝一個動作場景。這兩項任務在教學過程中是最為重要的。要促使學生真正掌握書中的知識和技能，你就得讓他們把這些知識和技能運用到實踐中去，真正去拍攝幾個對話和動作場景。

從理論上說，用運動的攝影機拍攝對話場景，或者拍攝動作場景都不是件很難的事。但要想把這些理論與特定的對話場景或動作場景結合，拍攝出最佳的效果，則還需要很長時間的努力，而且還需要一點點的天分。只有將理論與實踐很好地結合在一起，你才能在電影界脫穎而出，成為像希區柯克、史匹柏、卡隆一樣的視覺藝術大師。

第三章和第八章結尾處的練習任務可以幫助學生在成為視覺藝術大師的路上邁出第一步。通過多次的練習，他們會做得越來越好。為了給他們提供更多的練習素材，我在第三章的結尾處給出了15個“邊走邊對話的場景”。這15個場景都可能通過運動的攝影機進行拍攝。這些場景都選自非常出色的故事片，戲劇性也都非常強。學生們可以用運動的攝影機把這15個場景都拍一遍，這樣他們就能不斷地提高自己的拍攝技能。同樣地，在第八章的結尾處我給學生布置了拍攝動作場景的任務。這個任務也可以讓學生進行多次拍攝，從而幫助他們鞏固所學的知識。這也是所有的專業導演自我提高的方法，即：永不停止實踐的腳步。

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