裝飾風藝術（法語：Art Decoratifs，簡稱：art deco），另有“ 裝飾派藝術 ”、“ 裝飾藝術 ”、“ 藝術裝飾風格 ”、“ 裝飾藝術風格 ”等等譯名。裝飾風藝術（Art Deco)名字取自於1925年在巴黎舉辦的國際現代藝術裝飾工業展，是法語Arts Décoratifs的簡稱，但第一次世界大戰之前，裝飾風藝術的多種風格已經出現在巴黎和布魯塞爾。
基本介紹
- 中文名：裝飾風藝術
- 外文名：Art Decoratifs
- 屬性：建築學術語
- 分類：裝飾
- 相關：國際現代藝術裝飾工業展
簡介,起源,契機,劇院時代,秋季沙龍,Cubist House,影響,
簡介
“裝飾藝術”是一種蕪雜的風格，其淵源來自多個時期、文化與國度。從縱向的角度說，裝飾風藝術似乎繼承新藝術而來；從橫向上看，它又和在兩次世界大戰之間蓬勃發展的現代運動並行發展並互相影響，儘管兩者存在著本質分歧。一般說來，現代主義設計帶理想主義的、烏托邦式的立場，強調為大眾服務，尤其是強調為中下階層的勞動者服務，對裝飾本身興趣並不大，甚至懷有痛恨的態度。裝飾風藝術卻繼承並維護了長期以來為贊助人服務的傳統，其設計面向的對象是富裕的上層階級，所採用的材料是精緻、稀有、貴重的，尤其強調裝飾別致優雅，與上層階級的品味相符合。
裝飾風藝術影響了建築，家具，珠寶，時裝，汽車，電影院，火車，海洋輪船和日常用品的設計，如收音機和吸塵器。Art Deco是法文Arts Décoratifs的縮寫，來自於1925年在巴黎舉辦的國際現代藝術裝飾工業展（國際現代裝飾和工業藝術展）。它將當時工藝和豐富材料與現代主義風格相融合。在其鼎盛時期，裝飾風藝術代表了奢華，魅力，繁榮和對社會和技術進步的信心。
裝飾風藝術是是多種風格的結合體，作品本身可能是相互矛盾的，通過對現代的渴望而結合在一起。最開始，裝飾風藝術深受立體派大膽的幾何形式的影響，隨後，野獸派和俄派芭蕾的鮮艷色彩，路易菲利普和路易十六時代最新的家具工藝，甚至來自中國和日本、印度、波斯、古埃及和瑪雅藝術都澆灌了這個新興的風格。它以精妙的技巧、罕見和昂貴的材料聞名，例如烏木和象牙。20世紀20年代到30年代，紐約的克萊斯勒大廈也是裝飾風藝術的代表。
20世紀30年代，在大蕭條時期，裝飾風藝術風格變得更加柔和，鍍鉻，不鏽鋼和塑膠等新材料開始被使用。這種新風格名為摩登藝術（Streamline Moderne），出現於20世紀30年代。它最具代表性的特點是彎曲形狀和光滑，拋光的表面。裝飾風藝術稱得上是第一批真正的“國際化”的藝術風格，但是它的輝煌在第二次世界大戰開始時就結束了，現代主義和建築中的“國際風格”等更加簡潔的風格更占主導地位。
“裝飾藝術”是一種重裝飾的藝術風格，同時影響了建築設計的風格，它的名字來源於1925年在巴黎舉行的“現代工業和裝飾藝術博覽會”（Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes） 。Art Deco這個詞雖然在1925年的博覽會創造，但直到1960年代對其再評估時才被廣泛使用，其實踐者並沒有像風格統一的設計群落那樣合作。
它被認為是折衷的，被各式各樣的資源而影響：
- 來自維也納製造工場（Wiener Werkstätte）的早期作品
- 非洲、埃及、阿茲特克墨西哥的有自我意識的“純樸”藝術
- 俄國芭蕾
- 立體主義藝術
- 未來主義藝術
- 風格派
- 任何與爵士、爵士時代或“爵士樂”相關的
- 動物圖案和形狀；熱帶葉飾
- 女性形狀
- 象無線電與摩天樓一樣的現代技術
裝飾風藝術（arts décoratifs）一詞在1858年首次在法國發表在公報de laSociétéfrançaisede photographie上。
1868年，費加羅報採用“裝飾風藝術“（objets d'art décoratifs）這個術語來描述為劇院創作的舞颱風景（Théâtre de l'Opéra）。
1875年，法國政府正式授予家具設計師，紡織品，珠寶和玻璃設計師等工匠藝術家地位。相對應地，1766年國王路易十六創建的皇家設計學院（Écoleroyale gratuite de dessin,其為藝術家和手工藝人提供有關美術的免費培訓）更名為國立裝飾風藝術學院（l'École nationale des arts décoratifs）。它於1927年更名為的名稱ENSAD（École nationale supérieure des arts décoratifs）。
在1925年的博覽會期間，建築師柯布西耶發表了一系列名為：“1925年世博：藝術裝飾（1925 Expo: Arts Déco）”文章在他的雜誌L'Esprit Nouveau上，並將這些文章合併成一本書“L'art décoratif d'aujourd'hui“（裝飾風藝術）。這本書抨擊了博覽會上物品的奢華過度;並認為家具等實用物品不應該有裝飾;他的結論是“沒有一個現代裝飾稱得上裝飾”。
勒·柯布西耶在文章和書中簡化了標題從Arts Décoratifs到Arts Déco。從此，Art Deco被廣泛套用，套用於1966年改編的第一個現代展覽的題目，名為Les Années25：Art déco，Bauhaus，Stijl，Esprit nouveau，涵蓋了該品種在20世紀20年代和30年代的主要風格。 “Art Deco”這個詞在1966年由希拉蕊·格爾森在“泰晤士報”（倫敦，11月12日）發表的一篇文章中使用，描述了展覽的不同風格。
歷史學家貝維斯·希利爾（Bevis Hillier）發表了第一本關於20和30年代裝飾風藝術的主要學術書籍後，裝飾風藝術這一詞在1968年後被廣泛套用以劃分類別。希利爾指出，這個詞已經被藝術品經銷商所採用，並例如“紐約時報”（1966年11月2日）和Elle雜誌（1967年11月）中的一篇名為“Les Arts Déco”的散文。1971年，希利爾在明尼阿波利斯藝術學院舉辦了一次展覽，並在他的書中，裝飾風藝術的世界（The World of Art Deco）詳細介紹了藝術裝飾世界。
起源
契機
裝飾風藝術的出現與裝飾風藝術家地位的提高密切相關，他們在19世紀末前都被認作是工匠。 1875年新發明的“Arts Décoratifs”一詞，賦予家具，紡織品和其他裝飾設計師以官方地位。 Société des artistes décorateurs（裝飾風藝術家協會），簡稱SAD，成立於1901年。裝飾風藝術家終於享有與畫家和雕塑家相同的作者權。義大利也有類似的運動。第一屆專門展出裝飾風藝術的國際展覽（Esposizione international d'Arte decorative moderna）於1902年在都靈舉行。幾個專門用於裝飾風藝術的新雜誌在巴黎成立，其中包括Arts etdécoration和L'Art décoratif moderne。裝飾風藝術部分被引入了法國社會藝術家的年度沙龍（Sociéte des artistes français），以及後來的秋季沙龍。法國民族主義也參與了裝飾風藝術的復甦;法國設計師感受到更便宜德國家具對於法國人生活的影響。 1911年，SAD提議在1912年舉辦一次重要的國際裝飾風藝術博覽會，不允許使用舊款式的複製品，只允許現代的作品。展覽被推遲到1914年，然而，由於戰爭，展覽再次被推遲到1925年，當時所有這種風格的作品稱為裝飾風。
巴黎百貨公司和時裝設計師也在裝飾風藝術崛起中發揮了重要作用。包括行李箱製造商路易威登，銀器公司昆庭（Christofle），玻璃設計師René Lalique以及珠寶商卡地亞和寶詩龍在內的成立公司都開始設計更現代風格的產品。從1900年開始，百貨公司招募了裝飾風藝術家在他們的設計工作室工作。 1912年秋季沙龍的裝飾被委託給春天百貨。春天百貨在同一年創建了自己的研討會，名為“Primavera”。到1920年，Primavera雇用了三百多位藝術家，改進了當時路易十四，路易十六的風格，尤其是Louis Süe和Primavera車間製作的Louis Philippe家具，以及Au Au Louvre百貨商店的更多現代形式。然而，Émile-Jacques Ruhlmann，Paul Foliot在內的其他設計師拒絕採用大規模生產，堅持認為每件作品都需要用手工製作的。早期的裝飾風藝術風格使用了許多奢華和異國情調的材料，例如烏木，象牙和絲綢，也偏愛明亮的色彩和程式化圖案，尤其是各色的花籃和花束，定義了現代主義的外觀。
劇院時代
奧古斯特·佩雷特的香榭麗舍劇院（1910-1913）是巴黎首座具有里程碑意義的裝飾風藝術建築。以前的鋼筋混凝土只用於工業和公寓建築，佩雷特在1903 到04年在班傑明富蘭克林街上建造了第一座現代鋼筋混凝土公寓樓。另一位重要的未來裝飾風藝術建築師亨利·索瓦奇（Henri Sauvage）於1904年在Trétaigne大街7號（1904年）建造了另一座建築。從1908年到1910年，21歲的柯布西耶（Le Corbusier）在佩雷特的辦公室擔任起草員，學習混凝土施工技術。佩雷特的建築有乾淨的矩形，幾何裝飾和直線，是裝飾風藝術的代表符號。劇院的裝飾也是革命性的：門面裝飾著安托萬·布德爾的藝術裝飾雕塑，莫里斯·丹尼的圓頂，愛德華·維亞爾的繪畫和Ker-Xavier Roussel裝飾風藝術風格。該劇院因為俄派芭蕾的許多首演而聞名。 20世紀20年代，佩雷特和索瓦奇成為巴黎領先的裝飾風藝術建築師。
秋季沙龍
裝飾藝術在剛誕生的1910年至1914年間，表現出一種爆炸式色彩的撞擊。其色彩明亮且經常發生衝突，常常出家具裝飾，地毯，屏風，壁紙和織物中的花卉圖案里。 許多豐富多彩的作品，包括莫里斯·杜夫瑞恩的桌椅以及保羅·福洛的一張明亮的哥白林地毯，都在1912年的藝術沙龍展上展出。 1912 - 1913年，設計師阿德里恩·卡博斯基為藝術收藏家雅克·杜塞的狩獵小屋製作了一張帶鸚鵡設計的花椅。家具設計師路易斯·薩（Louis Süe）和安德烈·馬雷（André Mare）在1912年的“法國講習班”展會上首次亮相，將彩色織物與異國情調的昂貴的材料（包括烏木和象牙色）相結合。 第一次世界大戰後，他們成立了最著名的法國室內設計公司之一，為法國跨大西洋郵輪的頭等客廳和船艙生產家具。
裝飾藝術的生動色彩有許多來源，包括萊昂·巴克斯特為俄羅斯芭蕾舞團創作的異域風情的設計。它在第一次世界大戰之前在巴黎引起了轟動。其中一些顏色受到亨利·馬蒂斯領導的早期野獸派運動的啟發，一些則來源於諸如索尼婭·德勞內等畫家的俄耳甫斯主義的啟發， 而其他則來源於稱為“納比派”的運動，以及設計壁爐螢幕和其他裝飾物的象徵主義畫家奧迪隆·雷東的作品。明亮的色彩是時裝設計師保羅·波烈的作品中的一個特色，他的作品影響了裝飾藝術風格和室內設計。
Cubist House
被稱為立體主義的藝術風格於1907年至1912年間出法國，影響了裝飾藝術的發展。而在保羅塞尚的影響下，立體派人士對形式簡化的幾何要素感興趣：圓柱體，球體，圓錐體。
1912年，藝術家們在藝術展“黃金分割” 展出的作品比普通畢卡索和布拉克的立體主義更容易被普通大眾接受。立體派辭彙會吸引時尚、家具和室內設計師。
在1912年，安德烈·維拉的著作《新藝術風格》發表於《裝飾藝術》雜誌上。其中，他表達了對新藝術風格形式的反對（不對稱、多色彩和風景如畫），並提倡將最終成為裝飾藝術中常見主題的自願簡單化，明顯對稱，秩序與和諧; 儘管隨著時間的推移，裝飾風格往往變得更加色彩豐富且多元，但會變得更簡化。
在1912年秋季藝術沙龍的裝飾藝術展區，展出了一座稱作“立體派房子”的建築裝置。其門面由雷蒙德·杜尚·維倫設計。 房子的裝飾由路易斯·薩和安德烈·馬雷的公司完成，他們於1912年創立了一家名為“法國講習班”的公司。“立體派房子”是一個帶有門面，樓梯，鍛鐵欄桿，臥室和客廳的家具裝置 ——在資產階級的客廳中，懸掛著畫家艾伯特·格利澤斯（ Albert Gleizes），讓·梅青格爾，瑪麗·洛朗桑（Marie Laurencin），馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp），費爾南·萊熱（Fernand Léger）和羅傑·德·拉·弗雷納耶（Roger de La Fresnaye）的畫。 數以千計的觀眾在沙龍中經過了這個全尺寸模型。
由杜尚·維翁設計的房屋外立面並不像現代標準那樣激進，門楣和三角牆有稜柱形狀，但其他方面則與當時的普通房子類似。房間由馬雷配上新路易十六和路易菲利普風格的椅子和沙發，更新了更多的稜角，由此使其下擺與立體派繪畫一致。評論家埃米爾·塞迪恩（Emile Sedeyn）在《藝術設計》雜誌中描述了馬雷的工作：“他不會因為簡單而讓自己難堪，因為他可以在任何地方擺上花朵。他尋求的效果顯然是一種美麗和快樂。他實現了它。 立體派元素被畫作展現得淋漓盡致。儘管它已經改良，一些批評家仍然攻擊它的裝置為及其激進，但這其實有助於它最終的成功。這種建築裝置隨後在1913年於紐約，芝加哥和波士頓的“軍械庫展覽”展出。多虧了展覽，“立體主義”一詞開始適用於現代的任何事物，從女性理髮，服裝到戲劇表演等方面。
立體主義風格在裝飾藝術中延續，即使裝飾藝術開始向其他方向發展。1927年，立體派藝術家約瑟夫·恰基（Joseph Csaky），雅克·利普契茲（Jacques Lipchitz），路易斯·馬庫錫（Louis Marcoussis），亨利·勞倫斯（Henri Laurens），雕塑家古斯塔夫·米克洛斯（Gustave Miklos）等人合作裝飾了由建築師保羅·拉德（Paul Ruaud）設計的一間工作室，位於聖詹姆斯街，塞納河畔訥伊。它曾被法國時裝設計師雅克·杜塞（Jacques Doucet）擁有，也曾屬於一位亨利·馬蒂斯的後期印象派藝術和立體派繪畫（包括他從畢卡索工作室直接購買的《阿維尼翁的少女》）收藏家。勞倫斯設計了噴泉，恰基設計了杜塞的樓梯， 利普契茲製作了壁爐架，而馬庫錫製作了一個立體派地毯。
除了立體派藝術家外，杜塞還邀請了其他裝飾室內設計師幫助裝飾房子，包括負責組織的皮耶·夏洛（Pierre Legrain）和負責提供家具的保羅·艾里布（Paul Iribe），馬塞爾·科爾德（Marcel Coard），安德烈·格魯（AndréGroult），艾琳·格雷（Eileen Gray）和羅斯·阿德勒（Rose Adler）。 裝飾包括受非洲藝術靈感啟發的馬賽克烏木製成的巨大件，以及覆蓋著摩洛哥皮革，鱷魚皮和蛇皮以及非洲設計圖案的家具。
影響
裝飾藝術不是一種單獨的風格，而是一系列不同的，有時矛盾的風格的組成。在建築中，裝飾藝術是對新藝術風格的繼承和反對。新藝術風格在1895年至1900年間在歐洲蓬勃發展，並逐漸取代在歐美建築中占主導地位的布雜藝術和新古典主義藝術。 1905年，歐仁·格拉塞（Eugène Grasset）撰寫並出版了《裝飾方法》，《直線元素》。在其中，他系統地探索了幾何元素，形式，圖案及其變化，並與赫克多·吉馬德（Hector Guimard）早些年在巴黎很火的起伏的新藝術風格做對比（或是背離）。格拉塞強調，簡單的幾何形狀，如三角形和方形是所有構圖的基礎。奧古斯特·佩雷（Auguste Perret）和亨利·索韋奇（Henri Sauvage）的鋼筋混凝土建築，特別是香榭麗舍劇院，提供了一種新的建築和裝飾形式並被複製到世界各地。 在裝飾藝術中，許多不同的風格被借用和使用。 它們包括來自世界各地的前現代藝術，並可在羅浮宮博物館，人類博物館和非洲藝術博物館觀賞。由於在龐貝古城、特洛伊以及第十八王朝法老圖坦卡蒙墓地進行的發掘工作，人們對考古學也倍感興趣。藝術家和設計師將古埃及，美索不達米亞，希臘，羅馬，亞洲，中美洲和大洋洲的圖案與機器時代元素結合了在一起。 其他借鑑的風格包括俄羅斯建構主義，義大利未來主義，俄耳浦斯主義，功能主義以及一般現代主義。裝飾藝術也使用了野獸派的衝突色彩和設計，特別是在亨利·馬蒂斯（Henri Matisse）和安德烈·德朗（André Derain）的作品中，這些作品的靈感來自藝術裝飾紡織品，牆紙和彩繪陶瓷的設計。裝飾藝術採用了該時期高級時尚辭彙的想法，其中包括幾何圖案，人字形，鋸齒形和花束的風格化花束。它也受到埃及學的發現，以及對東方和非洲藝術日益濃厚的興趣的影響。 從1925年起，它經常受到對飛機，汽車和海洋輪船等新機器的熱情的啟發，並且到1930年，這種影響導致了流線型現代風格。
