音樂是一種藝術形式和文化活動，其媒介是按時組織的、有規律的聲波（機械波的一種）。
它的基本要素包括強弱、調性、時長、音色等。由這些基本要素相互結合，形成 音樂的常用的“形式要素”，例如：節奏、曲調、和聲，以及力度、速度、調式、曲式、織體等。構成音樂的形式要素，就是音樂的表現手段。不同類型音樂可能會強調或忽略其中的某些元素。音樂是用各種各樣的樂器和聲樂技術演奏， 分為器樂、聲樂（例如不帶樂器伴奏的歌曲）以及將唱歌和樂器結合在一起的作品。
在最一般的形式中，將音樂描述為一種藝術形式或文化活動，包括音樂作品的創作（歌曲、曲調、交響曲等），表演，對音樂的評價，對音樂歷史的研究以及音樂教學。古希臘和印度哲學家將音樂定義為水平排列為旋律而垂直排列為和聲的音調。諸如“各個領域的和諧 ”和“這就是音樂在我耳邊”之類的俗語指出了這樣一種觀念，即音樂通常是有序且聽起來很愉快的。但是20世紀的作曲家約翰·凱奇（John Cage）以為任何聲音都可以是音樂，例如說：“沒有噪音，只有聲音。”
音樂的創作、表現、意義甚至定義都根據文化和社會背景而有所不同。確實，在整個歷史中，一些新的音樂形式或風格都被批評為“非音樂”，包括1825年貝多芬的大賦格， 1900年代初的早期爵士樂和1980年代的硬核朋克。
基本介紹
歷史發展,西方音樂史,中國音樂史,基本含義,聲音藝術,聽覺藝術,情感藝術,時間藝術,基本分類,按表達方式,按旋律風格,基本要素,主要樂器,記譜方法,簡譜,五線譜,
歷史發展
音樂
人類社會究竟從什麼時候開始有了音樂，已經無法考察。但是早在人類還沒有產生語言時，就已經知道利用聲音的強弱等來表達自己的意思和感情。隨著人類勞動的發展，逐漸產生了統一勞動節奏的號子和相互間傳遞信息的呼喊，這便是最原始的音樂雛形：當人們慶賀收穫和分享勞動成果時，往往敲打石器、木器以表達喜悅、歡樂之情。
古代音、樂有別。《禮記·樂記》：“凡音之起，由人心生也。人心之動，物使之然也，感於物而動，故形於聲。聲相應，故生變，變成方，謂之音。比音而樂之，及乾戚、羽旄，謂之樂”。後稱“音樂”，指用有組織的樂音表達人們的思想感情、反映社會生活的一種藝術。《三國·吳志·周瑜傳》：“ 瑜少精意於音樂，雖三爵之後，其有闕誤， 瑜必知之，知之必顧”。《前漢書平話》卷下：“帝至棘門 ，左翼將徐邁以音樂迎之，送帝至霸陵橋上”。 溫承訓 《動人的音樂》詩：“真的，音樂是人們感情的語言”。
西方音樂史
宗教音樂時期
歐洲的古典音樂是在中世紀的伊利莎白時期發展而來的，這個時期的音樂主要以格里高利宗教音樂占主導地位。
當時人們對於基督教的崇拜和信仰完全不像這樣。中世紀時期的歐洲教會的權力要高於國家和一切的社會形勢，宗教是直接影響到政治和音樂的。所以當時的音樂只是純粹的宗教用途，在教堂中演唱，並沒有樂器伴奏，但這個時期的音樂卻對後來的音樂發展起到了非常重要的作用。
文藝復興時期
巴洛克時期
巴洛克時期（約1600年—1750年）是古典音樂早期的一個重要形式，這個時期的音樂以復調音樂為主，華麗且複雜。雖然巴洛克音樂已經突破了宗教音樂完全的秩序和純真的表現，變得更加豐富了，但是在整個古典音樂的發展中，這個時期的音樂仍然受著很多宗教音樂的影響，透露出一種嚴謹的氣息。不過巴洛克時期的音樂相對於之前的音樂形式更加自由化了，各種音樂類型的出現以及樂器的成熟，使這個時期的音樂充滿著一種特殊的氣息，為後人所追捧。
在巴洛克時期的音樂家們是比較多的，並且相對現代的音樂家來說也要多產得多。在巴洛克時代最重要的人物應該是亨德爾、維瓦爾第、巴赫三位音樂家。亨德爾和巴赫都是以那個時代的鍵盤樂器管風琴和羽管鍵琴見長，但作曲形式稍有不同。亨德爾在歌劇方面的成就較多，而巴赫則一直專注於各種器樂的創作，為後人留下了大量經典的器樂作品。這一時期的小提琴音樂已經接近成熟，維瓦爾第的貢獻不可忽視。
巴洛克時代的結束是以巴赫的逝世為界限的，隨後而來的便是古典主義時期（約1750年—1820年）。這個時期的音樂繼承了歐洲傳統的復調音樂和主調音樂成就，確立了奏鳴曲、協奏曲、交響曲等重要的音樂形式，並且室內樂也在這個時期發展起來，對之後音樂的發展起到很重要的影響。古典主義時期的音樂相對來說還是比較嚴謹的，繼承了巴洛克時代的理性，但是卻更多的融入了人們的情感，在兩者之中達到了統一。所以古典時期的音樂表達的內容更加豐富了，同音樂藝術融合在一起。
在古典音樂時期，最重要的三位代表人物是海頓、莫扎特、貝多芬。莫扎特的音樂充滿著華麗感，總是帶給人一種親和力，這種親和力來自於莫扎特為了創作音樂的純真心態。而貝多芬相對於莫扎特來說，則經歷了更多的生活困苦，以及長年病痛的纏繞。他將自己生活中的種種不幸寫入音樂中去，所以貝多芬的音樂帶給人們的更多的是一種憤怒、一種激情、一種與生活抗爭的態度。
浪漫主義時期
在1820年後隨著古典音樂時期的結束，浪漫主義音樂開始萌芽。這一時期的音樂形式更為豐富，是古典藝術巔峰時期中離現代最近的，最能夠被接受的古典音樂大多出自於這個時期。浪漫主義音樂已經更加注重人的精神境界和主觀的情感表達，對於自然景物的表現更加突出了，對於民族和民間的音樂利用也更加頻繁，可以說是真正趨向大眾化。
印象主義音樂
印象主義音樂時期大約在19世紀末20世紀初期之間，是與印象主義運動同時期的音樂風格。印象主義音樂已經不像浪漫主義時期的音樂那樣強調主觀情感的表現，而是更注重氛圍和色彩的營造，以呈現出一種抽象、超現實的色彩，成為進入現代音樂的開端。印象主義音樂給人以朦朧、撲朔迷離的感覺，暗示性較重，創作題材常取自於自然景物和詩畫等題材。德彪西和拉威爾是印象主義音樂中的代表人物。
表現主義音樂
表現主義音樂是否劃分到古典音樂尚未定論。這種盛行於20世紀初期的音樂形式與傳統的音樂完全相反，表現主義音樂忽視音樂創作總的各種調性規律，並且反對印象主義的客觀性，主張更直接表現人類的精神世界，這種音樂是以表現主觀的自我為主體的。表現主義的音樂無調可言，節奏和旋律都難以捉摸，讓人感覺焦躁、瘋狂、恐懼和不安，但是卻擁有一種奇特的空間感和絢麗的色彩。表現主義音樂的代表人物是勛伯格以及他的兩個學生韋伯恩和貝爾格。
新古典音樂
新古典主義音樂盛行於20世紀20年代末，這種音樂形式主張音樂的創作應該保持客觀性和嚴肅性，主張以浪漫主義的手法集成古典音樂的形態。新古典主義音樂不但否定浪漫主義音樂的主觀性，也否定後浪漫主義的誇張表現，而希望以現代的手法再現出古典時期音樂。義大利鋼琴家、作曲家布索尼，俄國作曲家斯特拉文斯基等是新古典主義的代表人物。
所謂“具體音樂”就是將日常生活中存在的實際聲響，如風聲、雷聲、鳥鳴、狗吠、機車鳴笛、飛機轟隆等等事先錄好，然後編排，剪輯而成的音樂，這種不用人來演奏的音樂於1948年10月在巴黎首次播出。這種音樂的產生與錄音技術的發展緊密聯繫著。創者是法國國家電台的無線電工程師舍費爾，其代表作有《黑色練習曲》、《鐵路練習曲》、《燉鍋練習曲》、《紫羅蘭練習曲》、以及他與亨利合寫的《單人單響曲》、《暖昧協奏曲》、歌劇《奧菲歐》等。德國、美國、日本等國均有人從事這類音樂的創作。
偶然音樂又稱“機會音樂”，就是在音樂中引入偶然因素。這種音樂的突出特徵是不確定性和偶然性，它採取擲硬幣、搖簽子、卜卦等手段由演奏者將作品的段落任意組合順序、任意確定音高、時長、音色、力度。偶然音樂的作曲家不再採用傳統的記譜法，他們各自選用音樂符號並加以說明這類作品無具體結構和形象、無調性，只是偶然的效果。
偶然音樂首先是在美國興起的，最著盛名的是美國作曲家凱奇。他的代表作有《變化之樂曲》、《鋼琴管弦樂隊協奏曲》、《幻想景色》以及鋼琴曲《4分33秒》等德國作曲家斯托克豪森的木管五重奏《節奏》、《鋼琴片斷》、《一個打擊樂器演奏者的套曲》、《三個演奏者的疊句》等，也是偶然音樂中有影響的作品。
電子音樂是用電子技術獲得音源，而產生的各種類型的音樂因此它是音樂的表現手段，它突破了傳統樂器的限制和人的演奏能力的局限，給作曲家隨心所欲進行創作提供了方便。隨著科學技術的發展和磁帶錄音機的問世，音樂探索者們還在不斷尋求20世紀50年代更加靈活在美國出現了，60年代電子計算機又進入了電子音樂領域。積體電路的相繼問世，更為電子音樂的繼續發展開闢了廣闊的前景。電子音樂既是一種表現手段，但同時也形成一種流派，最初的電子音樂作品是西德電台的技師艾默詩和作曲家拜厄合作的《交響習作音練習I、II》，而影響最大的則是西德的斯托克豪森，他寫有《電子音樂練習曲I、II》、《青年之歌》、《獨奏》、《話筒》等電子音樂作品。
中國音樂史
中國古代“詩歌”是不分的，即文學和音樂是緊密相聯繫的。現存最早的漢語詩歌總集《詩經》中的詩篇當時都是配有曲調，為人民大眾口頭傳唱的。這個傳統一直延續下去，比如漢代的官方詩歌集成，就叫《漢樂府》，唐詩、宋詞當時也都能歌唱。甚至到了如今，也有流行音樂家為古詩譜曲演唱，如蘇軾描寫中秋佳節的《水調歌頭》還有李白的《靜夜思》。
中國古代對音樂家比較輕視，不像對待畫家，因為中國畫和書法聯繫緊密，畫家屬於文人士大夫階層，在宋朝時甚至可以“以畫考官”（其實也是因為宋徽宗個人對繪畫的極度愛好）。樂手地位較低，只是供貴族娛樂的“伶人”。唐朝時著名歌手李龜年也沒有什麼政治地位，人們知道他常出唐詩中，受人讚揚。
中國古代的“士大夫”階層認為，一個有修養的人應該精通“琴棋書畫”，所謂的“琴”就是流傳的古琴。不過古琴只限於士大夫獨自欣賞，不能對公眾演出。古琴音量較小，也是地位較高的樂器。
夏、商時期
夏商兩代是奴隸制社會時期。從古典文獻記載來看，這時的樂舞已經漸漸脫離原始氏族樂舞為氏族共有的特點，它們更多地為奴隸主所占有。從內容上看，它們漸漸離開了原始的圖騰崇拜，轉而為對征服自然的人的頌歌。例如夏禹治水，造福人民，於是便出現了歌頌夏禹的樂舞《大夏》。夏桀無道，商湯伐之，於是便有了歌頌商湯伐桀的樂舞《大蠖》。商代巫風盛行，於是出現了專司祭祀的巫（女巫）和覡（男巫）。他們為奴隸主所豢養，在行祭時舞蹈、歌唱，是最早以音樂為職業的人。奴隸主以樂舞來祭祀天帝、祖先，同時又以樂舞來放縱自身的享受。他們死後還要以樂人殉葬，這種殘酷的殉殺制度一方面暴露了奴隸主的殘酷統治，而在客觀上也反映出生產力較原始時代的進步，從而使音樂文化具備了迅速發展的條件。
據史料記載，在夏代已經有用鱷魚皮蒙制的鼉鼓。商代已經發現有木腔蟒皮鼓和雙鳥饕餮紋銅鼓，以及製作精良的脫胎於石樺犁的石磐。青銅時代影響所及，商代還出現了編鐘、編鐃樂器，它們大多為三枚一組。各類打擊樂器的出現體現了樂器史上擊樂器發展在前的特點。始於公元前五千餘年的體鳴樂器陶塤從當時的單音孔、二音孔發展到五音孔，它已可以發出十二個半音的音列。根據陶塤發音推斷，中國民族音樂思維的基礎五聲音階出新石器時代的晚期，而七聲至少在商、殷時已經出現。
西周、東周時期
此外還有文人創作的“大雅”、“小雅”，以及史詩性的祭祀歌曲“頌”這幾種體裁。就其流傳下來的的文字分析，《詩經》中的歌曲以可概括為十種曲式結構。作為歌曲尾部的高潮部分，已有專門的名稱“亂”。在《詩經》成書前後，著名的愛國詩人屈原根據楚地的祭祀歌曲編成《九歌》，具有濃重的楚文化特徵。至此，兩種不同音樂風格的作品南北交相輝映成趣。
周代時期民間音樂生活涉及社會生活的十幾個側面，十分活躍。世傳伯牙彈琴，鐘子期知音的故事即始於此時。這反映出演奏技術、作曲技術以及人們欣賞水平的提高。古琴演奏中，琴人還總結出“得之於心，方能應之於器”的演奏心理感受。著名的歌唱樂人秦青的歌唱據記載能夠“聲振林木，響遏飛雲”。更有民間歌女韓娥，歌“餘音饒梁，三日不絕”。這些都是聲樂技術上的高度成就。
周代音樂文化高度發達的成就還可以一九七八年湖北隨縣出土的戰國曾侯乙墓葬中的古樂器為重要標誌。這座可以和埃及金字塔媲美的地下音樂寶庫提供了當時宮廷禮樂制度的模式，這裡出土的八種一百二十四件樂器，按照周代的“八音”樂器分類法（金、石、絲、竹、匏、土、革、木）幾乎各類樂器應有盡有。
其中最為重要的六十四件編鐘樂器，分上、中、下三層編列，總重量達五千餘公斤，總音域可達五個八度。由於這套編鐘具有商周編鐘一鐘發兩音的特性，其中部音區十二個半音齊備，可以旋宮轉調，從而證實了先秦文獻關於旋宮記載的可靠。曾侯乙墓鐘、磐樂器上還有銘文，內容為各諸侯國之間的樂律理論，反映著周代樂律學的高度成就。
在周代，十二律的理論已經確立。五聲階名（宮、商、角、徵[zhi三聲]、羽）也已經確立。這時，人們已經知道五聲或七聲音階中以宮音為主，宮音位置改變就叫旋宮，這樣就可以達到轉調的效果。律學上突出的成就見於《管子－地員篇》所記載的“三分損益法”。就是以宮音的弦長為基礎，增加三分之一（益一），得到宮音下方的純四度徵音；徵音的弦長減去三分之一（損一），得到徵音上方的純五度商音；以次繼續推算就得到五聲音階各音的弦長（波長）。
按照此法算全八度內十二個半音（十二律）的弦長（波長），就構成了“三分損益律制”。這種律制由於是以自然的五度音程相生而成，每一次相生而成的音均較十二平均律的五度微高，這樣相生十二次得不到始發律的高八度音，造成所謂“黃鐘不能還原”，給旋宮轉調造成不便。但這種充分體現單音音樂旋律美感的律制一直延續。
秦、漢時期
現代尚存的民間吹打樂，當有漢代鼓吹的遺緒。在漢代還“百戲”出現，它是將歌舞、雜技、角牴（相撲）合在一起表演的節目。漢代律學上的成就是京房以三分損益的方法將八度音程華劃為六十律。這種理論在音樂實踐上雖無意義，但體現了律學思維的精微性。從理論上達到了五十三平均律的效果。
三國、兩晉、南北朝
這時，傳統音樂文化的代表性樂器古琴趨於成熟，這主要表現為：在漢代已經出現了題解琴曲標題的古琴專著《琴賦》。三國時著名的琴家嵇康在其所著《琴賦》一書中有“徽以中山之玉”的記載。這說明當時的人們已經知道古琴上徽位泛音的產生。當時，出現了一大批文人琴家相繼出現，如嵇康、阮籍等，《廣陵散》（《聶政刺韓王》）、《猗蘭操》、《酒狂》等一批著名曲目問世。
南北朝末年還盛行一種有故事情節，有角色和化妝表演，載歌載舞，同時兼有伴唱和管弦伴奏的歌舞戲。這已經是一種小型的雛形戲曲。
隋唐時期
唐代宮廷宴享的音樂，稱作“燕樂”。隋、唐時期的七步樂、九部樂就屬於燕樂。它們分別是中國以及部分外國的民間音樂，分別有清商樂（漢族）、西涼樂（漢族）、高昌（今吐魯番）樂、龜茲（今庫車）樂、康國（今俄國薩馬爾漢）樂、安國（今俄國布哈拉）樂、天竺（今印度）樂、高麗（今朝鮮）樂等。燕樂還分為坐部伎和立部伎演奏，根據白居易的《立部伎》詩，坐部伎的演奏員水平高於立部伎。
宋時期音樂文化的發展以市民音樂的勃興為重要標誌，較隋唐音樂得到更為深入的發展。隨著都市商品經濟的繁榮，適應市民階層文化生活的遊藝場“瓦舍”、“勾欄”應運而生。在“瓦舍”、“勾欄”中人們可以聽到叫聲、嘌唱、小唱、唱賺等藝術歌曲的演唱；也可以看到說唱類音樂種類崖詞、陶真、鼓子詞、諸宮調，以及雜劇、院本的表演；可謂爭奇鬥豔、百花齊放。這當中唱賺中的纏令、纏達兩種曲式結構對後世戲曲以及器樂的曲式結構有著一定的影響。而鼓子詞則影響到後世的說唱音樂鼓詞。諸宮調是這一時期成熟起來的大型說唱曲種。其中歌唱占了較重的分量。
承隋唐曲子詞發展的遺緒，宋代詞調音樂獲得了空前的發展。這種長短句的歌唱文學體裁可以分為引、慢、近、拍、令等等詞牌形式。在填詞的手法上已經有了“攤破”“減字”“偷聲”等。南宋姜夔是既會作詞，有能依詞度曲的著名詞家、音樂家。他有十七首自度曲和一首減字譜的琴歌《古怨》傳世。這些作品多表達了作者關懷祖國人民的心情，描繪出清幽悲涼的意境，如《揚州慢》、《鬲溪梅令》、《杏花天影》等等。宋代的古琴音樂以郭楚望的代表作《瀟湘水雲》開古琴流派之先河。作品表現了作者愛戀祖國山河的盎然意趣。在弓弦樂器的發展長河中，宋代出現了“馬尾胡琴”的記載。
到了元代，民族樂器三弦的出現值得注意。在樂學理論上宋代出現了燕樂音階的記載。同時，早期的工尺譜譜式也在張炎《詞源》和沈括的《夢溪筆談》中出現。近代通行的一種工尺譜直接導源於此時。宋代還是中國戲曲趨於成熟的時代。它的標誌是南宋時南戲的出現。南戲又稱溫州雜劇、永嘉雜劇，其音樂豐富而自然。
最初時一些民間小調，演唱時可以不受宮調的限制。後來發展為曲牌體戲曲音樂時，還出現了組織不同曲牌的若干樂句構成一種新曲牌的“集曲”形式。南戲在演唱形式上已有獨唱、對唱、合唱等多種。傳世的三種南戲劇本《張協狀元》等見於《永樂大曲》。戲曲藝術在元代出現了以元雜劇為代表的高峰。
元雜劇的興盛最初在北方，漸次向南方發展，與南方戲曲發生交融。代表性的元雜劇作家有關漢卿、馬致遠、鄭光祖、白樸，另外還有王實甫、喬吉甫，世稱六大家。典型作品如關漢卿的《竇娥冤》，《單刀會》，王實甫的《西廂記》。元雜劇有嚴格的結構，即每部作品由四折（幕）一楔子（序幕或者過場）構成。一折內限用同一宮調，一韻到底，常由一個角色（末或旦）主唱，這些規則，有時也有突破，如王實甫的《西廂記》達五本二十折。
元雜劇對南方戲曲的影響，造成南戲（元明之際叫做傳奇）的進一步成熟。出現了一系列典型劇作，如《拜月庭》、《琵琶記》等等。這些劇本經歷代流傳，仍在上演。當時南北曲的風格已經初步確立，以七聲音階為主的北曲豪邁；以五聲音階為主的南曲柔婉。隨著元代戲曲藝術的發展，出現了最早的總結戲曲演唱理論的專著，即燕南之庵的《唱論》，而周德清的《中原音韻》則是北曲最早的韻書，他把北方語言分為十九個韻部，並且把字調分為陰平、陽平、上聲、去聲四種。這對後世音韻學的研究以及戲曲說唱音樂的發展均有很大的影響。
明清時期
明清時期說唱音樂異彩紛呈。其中南方的彈詞，北方的鼓詞，以及牌子曲，琴書，道情類的說唱曲種更為重要。南方秀麗的彈詞以蘇州彈詞影響最大。在清代，蘇州出現了以陳遇乾為代表的蒼涼雄勁的陳調；以馬如飛為代表的爽直酣暢的馬調；以俞秀山為代表的秀麗柔婉的俞調這三個重要流派。以後又繁衍出許多新的流派。
最早的崑劇劇目是明梁辰魚的《浣紗記》，其餘重要的劇目如明湯顯祖的《牡丹亭》、清洪升的《長生殿》等。弋陽腔以其靈活多變的特點對各地的方言小戲發生重要影響，使得各地小戲日益增多，如各種高腔戲。明末清初，北方以陝西西秦腔為代表的梆子腔得到很快的發展，它影響到山西的蒲州梆子、陝西的同州梆子、河北梆子、河南梆子。這種高亢、豪爽的梆子腔在北方各省經久不衰。晚清，由西皮和二黃兩種基本曲調構成的皮黃腔，在北京初步形成，由此，產生了影響遍及全國的京劇。
明清時期，器樂的發展表現為民間出現了多種器樂合奏的形式。如北京的智化寺管樂，河北吹歌，江南絲竹，十番鑼鼓等等。明代的《平沙落雁》、清代的《流水》等琴曲以及一批豐富的琴歌《陽關三疊》、《胡茄十八拍》等廣為流傳。琵琶樂曲自元末明初有《海青拿天鵝》以及《十面埋伏》等名曲問世，至清代還出現了華秋萍編輯的最早的《琵琶譜》。明代末葉，著名的樂律學家朱載育計算出十二平均律的相鄰兩個律（半音）間的波長（弦長）比值，精確到二十五位數字。
近代
1838到1903年（即狹義的“學堂樂歌”運動興起前的六十多年）教會音樂也對中國現代音樂教育產生了巨大影響。在鴉片戰爭後，傳教士赴華數量增加，西方傳教士在中國傳教時，往往用唱聖詩來做為輔助方法，因此半音等概念都得到了傳播。
民間音樂家為中國樂器的演奏發展創造了新的階段，二胡作曲家劉天華創作了大量的二胡獨奏曲，如《良宵》、《光明行》、《江河水》等，演奏家華彥鈞（瞎子阿炳）創作了《二泉映月》等二胡和琵琶曲。儘管當時時世動亂，但中國民族音樂不論在獨奏和樂隊合奏方面都有很大的發展。
現代
中華人民共和國建立之後，除革命歌曲之後，又加入翻譯成中文的蘇聯歌曲。各地開始建立交響曲團，演奏西方古典音樂，和中國作曲家的新作。東歐的樂團曾多次到中國表演，中國樂團也參加了許多國際表演會。中國音樂家也嘗試用西方的樂器方法寫作具有中國風味的音樂，比較成功的有小提琴協奏曲《梁祝》，採納了越劇的部分旋律。
和第三世界的國家交往也不斷增加，為此成立了東方歌舞團，專門學習、演唱亞洲、非洲和拉丁美洲國家各民族的民歌樂曲，在中國廣受歡迎，從此開發中國家的音樂開始對中國音樂產生影響。中國民族樂隊的配器、合奏方式也基本定型，產生了不少成功的民族器樂交響曲。
20世紀，中國的民族音樂開始受到世界各國的廣泛關注，每年春節，都會被邀請到維也納金色大廳舉行中國新年音樂會，並座無虛席。
當代
自中國改革開放以來，流行音樂首先從我國的香港及台灣地區進入大陸，尤其是台灣的校園歌曲和鄧麗君演唱的歌曲，在內地大受歡迎。曾在中國中央電視台1984年春節聯歡晚會演出的張明敏的《我的中國心》在內地一炮走紅，這也是中國內地第一次公開的港台歌曲演出。此後，中國內地的流行歌曲與其他地區的各種風格、各種流派的音樂結合，產生了不少膾炙人口的歌曲。
中國的流行音樂發展迅速，成為世界流行音樂中一支不可低估的生力軍。中國香港和台灣的流行音樂發展非常迅速，基本和國際流行趨勢同步，尤其是香港，因為當局不干擾音樂的創作，出現了許多著名的歌手和歌曲，不僅風靡內地，而且受到日本、韓國等地歌迷的崇拜。
1984年以來，中國大陸、中國台灣地區、中國香港地區以及全球其它地區的華人流行音樂不斷交流，開始出現互相融合、匯聚的趨勢。因此，開始出現“全球華語流行音樂”的總體稱謂。一個突出的表現：中國大陸作為全球最大的消費市場之一，港台、海外各大流行音樂榜單的發布和編制越來越多地開始關注大陸市場。
特點：娛樂性，一般不具備很深音樂理論和技巧修養甚至根本沒什麼音樂知識的聽眾都能接受；生活性，它直接宣洩人的情緒和感情；通俗性，歌詞大多近似白話，而且表達的內容很貼近生活。
基本含義
音樂是用組織音構成的聽覺意象，來表達人們的思想感情與社會現實生活的一種藝術形式。也是最能即時打動人的藝術形式之一。旋律響起人們往往無法抗拒的立即處於音樂的氛圍當中，使人忘卻煩惱，淨化心靈。任何一種藝術形式都有自己表情達意、塑造藝術意象的表現形式。比如舞蹈是通過肢體動作、面部表情，繪畫是通過線條、色彩、構圖，文學是通過字、詞、句、篇來體現藝術意象。通常，人們正是以表現手段的不同來區分藝術的不同種類，例如不同的樂器。音樂還能表現出樂手們和音樂創作者的用心。
根據《禮記》中《樂記》詳細記載了“凡音之起，由人心生也，人心之動，物使之然也，感於物而動，故形於聲，聲相應，故生變。”這種介紹簡單明了的涵蓋了音樂的聲音變化與人心情感之間的聯繫，如果大家進一步翻查古籍進一步推敲，就能對平時聽到的有關音樂辭彙涵義有更深入的了解。
聲：在自然中容易被人耳捕捉得到的具有一定波長的能量波動（機械波的一種）。
音：擁有穩定波長變化規則並且可控制的持續機械波。
樂：經過組織挑選後的悅耳聲波。
調：根據某個規則進行挑選過後的音集合。
律：對集合音進行更加規律的排列順序。
段：在一定時間內完成的某個音樂部分。
曲：按照一個整體對所有上述提到的聲音樂調律段進行整體的組織。
聲音藝術
音樂以聲音為表現手段的藝術形式，意象的塑造，以有組織的音為材料來完成的。因此，如同文學是語言的藝術一樣，音樂是聲音的藝術。這是音樂藝術的基本特徵之一。作為音樂藝術表現手段的聲音，有與自然界的其他聲音不同的一些特點。
音樂圖片
任何一部音樂作品中所發出來的聲音都是經過作曲家精心思考創作出來的，這些聲音在自然界是可以找到，但是沒有經過藝術家們別出心裁創作與組合，是不能成為音樂的。所以，無論是一首簡單的歌曲，還是一部規模宏大的交響樂，都滲透著作者的創作思維與靈感。隨便塗抹的線條和色彩不是繪畫，任意堆砌的語言文字不是文學，同樣，雜亂無章的聲音也不是音樂。構成音樂意象的聲音，是一種有組織有規律的和諧的音樂，包括旋律、節奏、調式、和聲、復調、曲式等要素，總稱為音樂語言。沒有創造性的因素，任何聲音都不可能變成為音樂。
語言具有一種約定性的語義，每一句話，甚至每一個字都具有特定的涵義。這種涵義在運用該語言的社會範圍內是被公認的，是一種約定俗成；音樂的聲音卻完全不同，它僅僅限定在藝術的範圍內，只作為一種藝術交往而存在；任何音樂中的聲音，它本身絕不會有像語言那樣十分確定的含意，它們是非語義性的。
聽覺藝術
音樂既然是聲音的藝術，那么，它只能訴諸於人們的聽覺，所以，音樂又是一種聽覺藝術。心理學的定向反射和探究反射原理告訴大家，一定距離內的各種外在刺激中，聲音雖然看不見，是無形的，但它能夠使人們的聽覺器官去接受這無形的事物，這決定了無形的聽覺藝術較之有形的視覺藝術更能在不經意間作用於人們的情感。
音樂只能用聲音來表現，用聽覺來感受，但這並不等於說人們在創作和欣賞音樂時，大腦皮層上只有與聽覺相對應的部位是興奮的，而其他部位都處於抑制狀態之中。實際上，音樂家不止是通過聽覺的渠道，而是用整個身心去感受和體驗、認識和表現生活的，這同其他門類的藝術家並沒有什麼區別。不同的是在藝術構思和藝術表現的時候，音樂家是把個人的多方面的感受，通過形象思維凝聚為聽覺意象，然後用具體的形式表現出來。
因此，音樂作品中所表現的思想情感，不是單純的聽覺感受，而是整體的感受。同樣，人們在欣賞音樂的時候，雖然主要是通過聽覺的渠道，接受的是聽覺的刺激，但由於通感的作用，也可能引起視覺意象，產生豐富生動的聯想和想像，進而引起強烈的感情反應，體驗到音樂家在作品中表達的思想感情和情境，獲得美感，並為之感動。
情感藝術
個人認為，音樂的聲音形態與人類情感之間存在著相似性，具有某種“同構關係”，這是音樂能表達人情感的根本原因。音樂理論家於潤洋曾指出：“結構之所以能夠表達特定的情感，其根本原因在於這二者之間存在著一個極其重要的相似點，那就是這二者都是在時間中展示和發展，在速度、力度、色調上具有豐富變化的、極富於動力性的過程。這個極其重要的相似點正是這二者之間能夠溝通的橋樑。”比如“喜悅”，它是人高興、歡樂的感情表現。一般來說，這種感情運動呈現出一種跳躍、向上的運動形態，其色調比較明朗，運動速度較快，力量較大。表現“喜悅”的感情的音樂，一般也採取類似的動態結構，如民樂曲《喜洋洋》，用較快的速度、跳蕩的音調等表現手段表達了人們喜悅的情感。
時間藝術
雕塑、繪畫等藝術形式凝固在空間，使人一目了然。大家欣賞美術作品，首先看到美術作品的整體，然後，才去品味它的細節。而音樂則不同，音樂要在時間裡展開、在時間裡流動。大家欣賞音樂，首先從細節開始，從局部開始，直到全曲奏（唱）完，才會給大家留下整體印象。只聽音樂作品中的個別片斷，不可能獲得完整的音樂意象。所以，音樂藝術又是一種時間藝術。
作為聽覺藝術的音樂意象是在時間中展開的，是隨著時間的延續在運動中呈現、發展、結束的。所謂“音樂意象”，指的是整個音樂作品所表現出的藝術家的思想感情並在欣賞者的思想感情中所喚起的意象或意境。例如，《春江花月夜》用安適、恬靜的曲調，表現了在江南月夜泛舟於景色如畫的春江之上的感受，創造了令人神往的音樂意境。
音樂作品不像文學或繪畫那樣，只要作者創作完成，創作過程結束，就可以直接供人們欣賞了。音樂作品必須通過表演這箇中間環節，才能把作品表達的意象傳達給欣賞者，實現其藝術作品的審美價值。所以，音樂又是表演的藝術，是需要由表演進一步再創造的藝術。
當作曲家把生動的樂思以樂譜的形式記錄下來的時候，就已經抽掉了它的靈魂，所剩下的不過是一個沒有生命的樂音符號系列。而使音樂作品重新獲得生命，把樂譜變成有血有肉的活的音樂的方式，就是音樂表演。如果沒有音樂表演，音樂作品永遠只能以樂譜的形式存在，而不會成為真正的音樂。
無論哪一位作曲家寫下的樂譜，都與他們的樂思之間有著一定的差距。而要使這種差距得到彌補、使樂譜中潛藏的樂思得到發掘、使樂譜無法記錄的東西得到豐富和補充，這一切都有賴於音樂表演者的再創造。所以，音樂也是表演的藝術，音樂作品只有通過表演這個途徑才能為聽眾所接受。
基本分類
一些音樂作品是通過人聲表達的，這樣的作品被稱為聲樂作品，有一些作品是用樂器演奏出來的，這樣的音樂作品被稱為器樂作品。世界上一切音樂作品都包括在“聲樂”和“器樂”這兩大類別里。
按表達方式
- 聲樂
- 器樂
器樂作品可分成獨奏曲、重奏曲和合奏曲。
獨奏曲範圍很廣。幾乎各種樂器都有獨奏曲。中國的二胡、琵琶、板胡、笛、簫、葫蘆絲、嗩吶、揚琴、笙、古琴、箏、柳琴、木琴等，都不乏著名的獨典曲。西洋樂器雖亦如此，但舉世聞名的還是以小提琴、鋼琴、吉他、電子琴等樂器的獨奏曲為最多。
合奏曲是指多種樂器演奏同一樂曲作品。在合奏曲中，各個樂器既充分發揮各自的性能和特長，又按一定的和聲規律相互協調配合。在中國的民族器樂合奏曲中，江南絲竹和廣東音樂占了很大比重。民族管弦樂曲則多為作曲家改編或創作的。民族吹打樂在中國的合奏曲中亦處不可忽視的地位。用西洋的銅管樂器、木管樂器、弦樂器及打擊樂配合演奏的樂曲稱為管弦樂。管弦樂曲在十七世紀的歐洲有了顯著的進步，當時的體裁包括組曲、序曲、賦格曲、幻想曲、隨想曲、狂想曲、協奏曲，以及對曲式有較嚴格要求的交響曲、交響詩。
按旋律風格
- 古典音樂
"Classic"一詞來源於拉丁語，原指羅馬社會上等階層，後轉義為人類具有普遍性和永恆性價值的業績。在國外，這種音樂類型被稱之為“classical music”，“classical”有“古典的、正統派的、古典文學的”之意，所以我們國人將之稱為“古典音樂”，確切地說應該是“西洋古典音樂”。首先從概念上解釋，“古典音樂”是一種音樂類別的名稱。然而即使在國外，對於“classical music”一詞的具體意義，也有諸多不同的解釋，其中主要異議來自於對“古典音樂”時代劃分理念的不同：
1、以逾時代的普遍性、永恆性的藝術價值和音樂藝術最高業績為標準，將那些能作為同時代，後代典範的，具有具有永久藝術價值的音樂統稱為“古典音樂”。根據這一標準，古典音樂又被稱為“嚴肅音樂”或“藝術音樂”，用以區分通俗音樂（流行音樂）。
2、特指1750～1820年左右的古典樂派時期。
- 流行音樂
另一方面，又把那些分明是流行的音樂，由於它們流傳不開（這在流行音樂中也為數不少）而排除在流行音樂之外。顯然，流行音樂不一定都流行，流行的音樂也不只是流行音樂。流行音樂準確的概念應為商品音樂，是指以贏利為主要目的而創作的音樂。它是商業性的音樂消遣娛樂以及與此相關的一切“工業”現象。（見前蘇聯《音樂百科詞典》1990 年版）它的市場性是主要的，藝術性是次要的。
- 民族音樂
狹義地講，指中國民族音樂。所謂中國民族音樂就是祖祖輩輩生活、繁衍在中國這片土地上的各民族，從古到今在悠久歷史文化傳統上創造的具有民族特色，能體現民族文化和民族精神的音樂。而廣義上，中國音樂是泛指世界上具有五聲調式特徵的音樂。
中國的民族音樂藝術是世界上非常具有特色的一種藝術形式。中華民族在幾千年的文明中，創造了大量優秀的民族音樂文化，形成了有著深刻內涵和豐富內容的民族音樂體系。這一體系在世界音樂中占有重要的地位。大家要認識中國音樂，不能僅僅會唱一些中國歌曲，聽幾段傳統樂曲，還必須從民族的、歷史的、地域的角度去考察中國音樂，了解中國音樂，從而真正理解中國音樂的內涵，了解它在世界音樂體系中的地位和歷史價值。中國民族音樂分為：民間歌曲、民間歌舞音樂、民間器樂、民間說唱音樂和民間戲曲音樂。
基本要素
音樂基本要素：音樂的基本要素是指構成音樂的各種元素，包括強弱、調性、時長、音色等。由這些基本要素相互結合，形成音樂的常用的“形式要素”，例如：曲調，節奏，和聲，以及力度，速度，調式，曲式，織體，音色等。構成音樂家的形式要素，就是音樂的表現手段。音樂的最基本要素是旋律和節奏。
1、曲調：曲調也稱旋律。起伏的樂音按一定的節奏有秩序地橫向組織起來，就形成曲調。曲調是音樂形式中最重要的表現手段，是音樂的本質，是音樂的決定性因素。曲調的進行方向是變幻無窮的。曲調的常見進行方式有：“同音反覆”、“級進”和“跳進”。依音階的相鄰音進行稱為級進，三度的跳進稱小跳，四度和四度以上的跳進稱大跳。
2、節奏：音樂的節奏是指音樂運動中音的快慢和強弱。音樂的節奏常被比喻為音樂的骨架。節拍是音樂中的重拍和弱拍周期性地、有規律地重複進行。我國傳統音樂稱節拍為“板眼”，“板”相當於強拍；“眼”相當於次強拍（中眼）或弱拍。
3、和聲：和聲包括“和弦”及“和聲進行”。和弦通常是由三個或三個以上的樂音按一定的法則縱向（同時）重疊而形成的組合。和弦的橫向組織就是和聲進行。和聲有明顯的濃、淡、厚、薄的色彩作用；還有構成分句、分樂段和終止樂曲的作用。
4、力度：音樂中音的強弱程度。
5、速度：音樂進行的快慢。
6、調式：音樂中使用的音按一定的關係連線起來，這些音以一個音為中心（主音）構成一個體系，就叫調式。如大調式、小調式、中國的五聲調式等。調式中的各音，從主音開始自低到高排列起來即構成音階。
7、曲式：音樂的橫向組織結構。
8、織體：多聲音樂作品中各聲部的組合形態。（包括縱向結合和橫向結合關係）。
9、音色：音色有人聲音色和樂器音色之分。在音樂中，有時只用單一音色，有時又使用混合音色。
主要樂器
弦樂器
世界上最早的弦樂器是中國的古琴，亦稱瑤琴、玉琴、七弦琴。古琴，是在周朝就已盛行的樂器，截止（2013年）至少也有3000年以上的歷史了；本世紀初才被稱作“古琴”。琴的創製者有“昔伏羲作琴”、“神農作琴”、“舜作五弦之琴以歌南風”等作為追記的傳說，可看出琴在中國有著悠久的歷史。《詩經·關雎》有“窈窕淑女，琴瑟友之”，《詩經·小雅》亦有：“琴瑟擊鼓，以御田祖”等記載。
古琴
管樂器
中國古代歷史記述了距今五千年前的黃帝時代，有一位名叫做伶倫的音樂家，他進入西方昆化山內采竹為笛。當時恰有五隻鳳凰在空中飛鳴，他便合其音而定律。雖然這一故事也不能完全相信，但是，可將其看做是有關管樂器起源的帶有神秘色彩的傳說。
古代樂器
中國最初的帝王——黃帝，是五千年前創造了曆法和文字的名君。當時，除了前述的伶倫之外，還有一位名叫“伏羲”的音樂家。據說伏羲是人首蛇身，曾在母胎中孕育了十二年。他彈奏了張有五十弦的琴，由於音調過於悲傷，黃帝將其琴斷去一半，改為二十五弦。
出土文物：中國古代石制編磬
記譜方法
在中國幾千年的音樂文化發展史上，曾經產生過許多種記譜方式，如減字譜、律呂字譜、宮商字譜、工尺譜等，人們用它來記錄、保存和傳播轉瞬即逝的音樂。但是，由於這些記譜法的複雜、繁瑣和不精確，所以除了減字譜還在古琴記譜中使用、工尺譜在民間還有些老藝人在使用外，其他的幾種記譜方式已經逐漸的被人們遺忘了。
在中國近現代、當代的音樂生活中，人們記錄音樂常用的兩種記譜方式—五線譜與簡譜，都不是中國的“土產”，而是從國外傳進來的。
簡譜
簡譜又名數字譜，它用1、2、3、4、5、6、7代表音階中的7個基本音級，休止以0來表示，通過在數字的上面或下面加點表示高八度或低八度；在數字的後面或下面加短橫線表示時值，是一種簡捷、直觀的記譜法。簡譜的雛形初見於16世紀的歐洲。17世紀時由法國天主教會教士蘇艾蒂加以改進後用來教唱教會歌曲。18世紀中葉，著名的法國思想家、文學家盧梭再將它加以改進，並編人他的《音樂辭典》之中。19世紀，經過加蘭、帕里斯和謝韋三人的繼續改進和推廣，才在民眾中得到廣泛使用。因此這種簡譜在西方被稱為“加—帕—謝氏記譜法”。但由於這種記譜法不方便於記錄多聲部的、結構複雜的音樂，因此簡譜在歐洲幾乎從未普及過。
簡譜在20世紀初，於學堂樂歌時期經日本傳入中國，經過早期音樂教育人士的大力推廣及30年代抗戰救亡歌詠運動的開展，在中國迅速普及，成為國內音樂教育、表演、傳播的主要記譜方式。
簡譜得以在中國廣泛普及，還有一個原因，就是簡譜的記譜法與流行在中國民間的一種文字譜—工尺譜相當接近。如工尺譜是用“上尺工凡六五乙”幾個字和附在字左邊的不同的偏旁來表示音的，而簡譜則是用七個阿拉伯數和附在數上面或下面的圓點來表示音的工尺譜是用附在字右邊的板眼符號來表示音的時值，而簡譜則是用附在阿拉伯數右面或下面的短橫線來表示音的時值。簡譜與工尺譜如此相近，簡譜記錄音的大小快慢的方法又比工尺譜更簡便、更精確，因此中國人十分容易接受簡譜。就世界範圍而言，中國是把簡譜吸收的最好、又將其發揚光大的國家。世界上沒有哪一個國家像中國這樣，簡譜得到如此普及。
簡譜有著較簡單易學、便於記寫等多種優點，我國的許多音樂家在創作樂曲時，記錄最初的創作樂思，多習慣使用書寫方便的簡譜。聶耳創作《義勇軍進行曲》、冼星海創作《黃河大合唱》時，他們的初稿也都是用簡譜來記寫的。這使它在中國有著比五線譜更為眾多的使用者，對於推動和普及民眾性的音樂文化活動起著重要的作用。
五線譜
五線譜是世界上使用最廣泛的記譜方法，它用音符的符頭在五條平行橫線上位置的高低來記錄樂音的高低，用音符的不同形狀表示音的時長。與簡譜相比較，五線譜有標示樂音音高較為直觀、容納音樂信息量大的優點，在記寫音域寬廣、聲部眾多、轉調頻繁的大型樂曲時，五線譜比簡譜更有優勢，因此，它廣泛套用於專業音樂領域。
